2018 en PiiiLA: Mejores diseños de arte
Si juzgamos a estos discos por sus tapas, son de los mejores del año. Sus creativas ilustraciones, desafiantes realizaciones y emotivos rescates cautivan los ojos y ofrecen al escucha una puerta visual hacia su mundo sonoro.
Luego de celebrar a los 20 visuales más destacados del año pasamos ahora al diseño de arte. Estos son nuestros 10 elegidos, contados por sus propios creadores.
10) Comienzo y fin del espacio - Genuflexos
Diseño: Martín Batallés
El artista Martín Batallés conoce a los miembros de Genuflexos desde que eran chicos. Desde entonces siempre colaboró con la banda realizando afiches, ofreciendo ideas para sus escenografías o incluso haciendo diseños de arte para sus discos. Para el tercer trabajo de la banda volvieron a trabajar juntos.
“Genuflexos es una banda que siempre tuvo un universo visual muy elaborado”, cuenta Martín. “El dibujo, la pintura y los collages son cosas que siempre estuvieron en relación muy estrecha con su música. También el reciclaje de deshechos gráficos: catálogos de productos, folletos evangélicos, publicidad electoral, etc. Es muy natural pensar en imágenes con ellos, me parece que nos entendemos bien”.
Los disfraces y las escenografías suelen tener un rol protagónico sus conciertos, y por lo tanto, para Comienzo y fin del espacio decidieron comenzar a trabajar en imágenes de elementos que ha utilizado Juan Stoll durante sus últimas presentaciones: lupas, guantes de Mickey, recortes de revistas y bolsas de nylon gigantes.
“Nos juntamos un domingo en casa y armamos una sesión de fotos con esa idea a ver qué salía”, cuenta Martín. “Nos divertimos bastante por momentos, y también nos frustramos un poco. Pero salieron un montón de imágenes que al final nos resultaron interesantes y empezamos a trabajarlas en la computadora al mismo tiempo que pensábamos ideas para el nombre del disco. Creo que representa bastante el espíritu de la música: esa cosa caótica y de recorte y pegue que tienen las canciones de este disco, entre el absurdo y el horror”.
El resultado es un intrigante caleidoscopio, distorsionado y superpuesto. Para distinguir mejor cada una de sus partes se pueden ver las diferentes imágenes complementarias que ilustran cada track en Soundcloud.
9) Destilar – La Vela Puerca
Diseño: Sebastián Cáceres
Destilar, el séptimo álbum de La Vela Puerca, captura la esencia de los diferentes músicos que lo componen, su trayectoria e historia. Con ese concepto en mente, convocaron a Sebastián Cáceres, diseñador y miembro de Hermanos Láser, para crear el arte.
“Cuando recibí la llamada de Seba Teysera estaba en la playa, acomodando el cuerpo para empezar mis vacaciones”, cuenta. “La Vela estaba grabando disco nuevo en un estudio alucinante en medio de las sierras de Córdoba y querían encargarme el arte de portada. Me sacudí la arena y me tomé el primer avión hacia ahí”. Durante los siguientes 10 días Sebastián compartió tiempo con la banda y se adentró en la intimidad del proceso de grabación del disco. “Esa suerte rara vez se da y fue fundamental para desarrollar mi pequeña parte en esto”, afirma.
“Mediante la evaporación y condensación, el alambique logra separar sustancias para obtener algún tipo de elixir como perfumes, alcoholes o medicinas. A ese proceso se le llama ‘destilar’”, explica. “De una forma más poética, la banda también destila su recorte del mundo y sus experiencias para componer canciones. Esa era la idea a plasmar. A su vez, el disco habla mucho sobre construir y reconstruirse, por eso elegí usar un lenguaje gráfico geométrico y constructivista. Una especie de Torres García vectorial, o porque no un ‘Vectorres García’”
Para componer este “caos geometrizado” estuvo trabajando durante 40 días. Luego, el Estudio Land se encargó de armar la salida a imprenta. El resultado es un trabajo que se ubica entre los mejores de la banda, logrando una iconografía que ha tenido varias aplicaciones tanto en sus redes sociales como en afiches.
“Hacer el arte de un disco es una responsabilidad hermosa, más para una banda tan querida como La Vela”, dice Sebastián. “Hace poco me enviaron esta foto de alguien que se tatuó parte del arte. Eso es emocionante”.
8) Aljibe – Phoro
Diseño: Phoro
Como hija de una artista plástica y diseñadora industrial, Phoro tiene una fuerte impronta plástica. Hace el arte de sus propios discos, así como también para los lanzamientos de Pulse. “La música la veo como imágenes y las imágenes las veo como música”, afirma. “Para mí la mejor explicación para esto es que funcionan de la misma manera. Por ejemplo, ¿qué es la música? Es la superposición de distintas capas a la vez y la armonía entre ellas. Cuando vos usas Photoshop es lo mismo. Es la misma cabeza en diferentes formas”.
En una noche desvelada por el insomnio, Phoro se imaginó cómo tenía que ser la tapa de Aljibe, su segundo disco. “Quería hacer una chica montando una polilla blanca, que representa lo mágico, lo fantástico, la noche”, cuenta. Inspirada en las ilustraciones del libro infantil El unicornio y el mar dibujó a mano diferentes diseños de la idea. “Pero no quedaba tan bueno como en mi cabeza. Estuve horas y días en mi cama bocetando cosas, y de mi inconsciente salió esto. ¿Viste cuando ves algo que te identifica, te flecha y no entendés por qué? Después me di cuenta que en mi cerebro licué la chica con la polilla blanca. Me parece que fue eso. Y esto soy yo”.
Esta figura flotando en el universo representa lo que evoca Aljibe: una oscuridad encantadora, el misterio familiar. Y se inspira en una de las aficiones de la artista: las criaturas fantásticas. “Me encantan las cosas indefinidas, las formas poco convencionales; las ilustraciones medievales de criaturas que no son perfectas, que son híbridos y mezclas de cosas. Siempre me atrajeron, porque me encantan esas cosas que no podés asociar rápido”.
7) Hiper – Par
Diseño: Par
Mientras compone su música, Par también imagina el arte que lo representa, el mundo donde habita. Así para Hiper, un disco que habla de la hiperconexión y la sobrecarga de estímulos, enseguida se imaginó un objeto para el arte: una suerte de visor.
“Empecé a ver opciones para fabricarlo y que tuviera ciertas características para no tener que postproducir o inventar”, cuenta. “Me puse a dibujarlo, busqué en fábricas de acrílicos donde me cortaron el visor a medida, lo moldee con calor y pinté de negro. Fui por ferreterías hasta dar con un buen soporte que fuera cómodo de usar y después ensamblé todo dándole detalles de pintura y cableado. Finalizada esta etapa el visor estaba listo, pero yo quería que tuviera las luces así que averigüé con mi amigo Emiliano Zapata, que además de ser DJ y quien me masteriza los discos, es ingeniero. Me dio una mano tremenda para la parte de la programación electrónica del visor y listo, llegué a ese resultado que yo quería. Lo que se ve en la tapa y los videos de Instagram es lo que es, no hay ningún tipo de post producción, te lo ponés, se prende y listo, ya quedás conectado a esos estímulos”.
La fotografía fue tomada por su hermano, Gabriel Adda, que recreó un ambiente “abstracto, medio fantástico, misterioso y oscuro”. “Quería al personaje ahí, lo más neutro posible, pasivo ante la conexión de estos estímulos escupidos directamente en su cara por este dispositivo. Para Laura (la modelo) fue todo un sufrimiento, pero se comprometió con el personaje. Perdón Lau”.
Para completar la estética del disco, Par creó imágenes y mini videos para cada tema, inspirado en la estática de una televisión de tubo y acompañada por una tipografía intencionalmente distorsionada.
6) Higher Standards – BNT
Diseño: Juan Trimarco
Higher Standards es un buenísimo disco doble donde el productor BNT disocia sus dos sonidos -el trap y el house- y ofrece 10 temas en cada estilo, como dos caras de la misma moneda. El primero contiene fuertes tracks con las voces invitadas de Joel, Seba Jones, Milanss, Hache Souza, Berna, JT, Palishi y FD, mientras que el segundo presenta sus versiones bailables y minimalistas, prontas para la pista.
Juan Trimarco, artista visual y bajista, fue el encargado de capturar la esencia de este trabajo, y junto a BNT tomaron la decisión de crear una imagen a base de collage digital, inspirados por portadas de $uicideBoy$, Belly o Anderson .Paak.
Con esa idea realizó un fotomontaje de dos piezas: por un lado la obra del pintor William-Adolphe Bouguereau, Ninfas y Sátiro -“la cual evoca erotismo, pero también inocencia y malicia al mismo tiempo”-, y por otro una foto del interior de un ómnibus CA1. “Más uruguayo imposible”, dice. “Tiene por un lado lo académico, perfecto y puro. Una obra hecha con los más altos estándares y las más finas técnicas de Bouguereau. Pero está dentro de un ómnibus, un elemento que baja a tierra a esta pintura”, explica Juan. “Entrando más a detalle, el sátiro es una figura masculina, desagradable físicamente que representa goce, fiestas, sustancias, sexo y lo mundano. Las ninfas son figuras femeninas, seres divinos y hermosos quienes no pueden resistir los encantos de los sátiros y lo que representa”.
La simetría dibujada entre ambos discos fue representada con un arte general a color, y otras dos con un tinte rojo y azul para cada respectivo lado. Y cumplió con creces su objetivo de combinar la belleza con algo mundano, representando también la esencia de Higher Standards. “Siento que el álbum de BNT tiene este elemento a flor de piel”, dice. “Hizo dos discos con una excelente calidad, en un género (en el caso del trap) donde los productores no suelen ser tan meticulosos y prolijos al punto que BNT lo es. Podemos escuchar en las letras cómo se apela a estos altos estándares desde un lugar mundano. Lo mínimo que puedo hacer es que el arte visual también refleje esto”.
Sin embargo, luego de una semana subido a YouTube el disco fue censurado por considerar su arte “contenido sexual explícito”. Esto significó un golpe para Underclan, que hasta el momento no ha podido volver a subir material a su prolífica cuenta, y por supuesto para sus creadores. “Sinceramente es un trago muy amargo”, afirma Juan. “Este arte fue hecho con mucha intención y cuidado. Fue bajado por el simple hecho de que aparezcan un par de pezones y una cola. Hoy en día las censuras se hacen sin sentido común, sin parar un segundo a ver qué es lo que realmente están censurando y al mismo tiempo vemos que hay cosas sumamente ofensivas, violentas, sexuales, etc. Anhelo el día que un pezón femenino no sea sinónimo de “contenido sexual explícito’”. Con bronca censuraron la portada para esta plataforma y pronto volverán a subir el disco. Mientras se puede escuchar en Spotify, con el arte incluido.
5) Bien por las heridas – Piel
Diseño: Gonzalo Vivas y Karin Topolanski
Para el segundo disco de Piel, el guitarrista Gonzalo Vivas se imaginaba una foto “bien buena”. “Mientras Gastón mezclaba, un día simplemente le comenté que Karin podía lograrlas y coincidimos al instante. Fue bastante espontáneo y orgánico todo a partir de ahí, la verdad”, cuenta.
Así, con la idea de incorporar un ambiente natural, decidieron ir a la casa de Agustín Piña (guitarrista de Piel) ubicada en San Carlos y “fluir”. “El día de la sesión nos encontramos los tres enchufando alargues, uno tras otro, para lograr hacer funcionar el flash en la mitad de la nada mientras caía el sol”, cuenta Gonzalo. “El plan era ubicarnos en la mitad del campo buscando naturaleza y que Karin haga esa magia que solo ella sabe. Armamos uno bueno y lo fumamos durante toda la sesión, para condimentar y conectar con el drama, misterio y ficción que puede generar el humo en cualquier escena. Sin dejar de lado lo cotidiano, por supuesto. Enseguida empezaron a aparecer abducciones, zombies, pelis de refugiados, galaxias. Nos gustaba todo y la imaginación volaba. Nuestros recursos eran el flash jugando con nosotros y luego una manguera. Que se debatió durante toda la noche ya que hacía mucho frío”.
Siguiendo la intención de las canciones, emularon sus armónicos pero grandes contrastes con imágenes que aparecen quemadas, siluetas delineadas estrictamente contra la oscuridad, utilizando el humo y el agua para crear texturas palpables.
Para finalizar, aparece el nombre de la banda en una tipografía realizada por Gastón Castagnet. “Buscábamos algo simple pero con personalidad”, dice Gonzalo. “La esencia Zeppelin pero moderno fue el motor para Gastón y nos calzó divino”.
4) Hambre – Eté y los Problems
Diseño: Bruster
Desde su primer disco, Ernesto Tabárez trabaja su imagen visual junto al estudio Bruster. El equipo de diseñadores liderados por Martín Albornoz ha creado geniales trabajos en asociación con su música, desde sus artes hasta remeras y pósters. Y para Hambre volvieron a colaborar.
El músico puso sobre la mesa el concepto ya trabajado y digerido. Durante su estadía en Alfeld luego de la extenuante gira de la banda por Alemania, Ernesto caminaba bajo la nieve a un bar y vio una figura aproximándosele. “Me senté en el bar y tuve una visión de que ese tipo venía con una piel de lobo puesta arriba -el lobo recién matado, todavía ensangrentado-, tenía una presa en los dientes y la tiraba dentro de un grupo de lobos”, contaba el músico en una charla con PiiiLA el año pasado. “Fue una imagen que se me ocurrió, y, como estaba prácticamente al pedo pensando cosas, se volvió muy fuerte. Pensé entonces que ese tenía que ser yo, y que de algún modo la forma de reparar el daño que teníamos internamente, lo lejos que habíamos quedado entre nosotros, era que yo trajera un grupo nuevo de canciones que renovara nuestro pacto”.
Retomando donde dejó de El Éxodo, Hambre habla de comunión, y principalmente, de fundación. Y junto con el lobo como icono, el arte del disco siguió un camino natural que llevó a Roma.
“Tener un imaginario tan fuerte y claro lo hizo más fácil”, cuenta por su parte el diseñador Santiago de Souza. “Tenemos miles de archivos de ilustraciones de hombres lobo, de lobos, de nieve, de árboles; pero en realidad cuando investigando lo asociamos a la loba Luperca cerró perfecto. Teníamos la imagen de la loba y también del hambre. El disco arranca con Fundación, lo que hizo un link directo con la leyenda de Rómulo y Remo, la fundación de Roma”.
Esta ilustración fue pintada sobre cartulina con esmalte rojo, “ya era lo único que teníamos en el estudio”, cuenta Santiago. Luego, fue escaneada y editada en Photoshop. “Estos proyectos donde mezclamos técnicas análogo-digitales son los que más nos llenan”, concluye.
3) Murgang - AFC
Diseño: Marcos Mezzottoni y Eugin Cöre
Los AFC ya tenían claro qué querían para el arte de su tercer disco: un murguista en llamas. Para lograrlo convocaron al fotógrafo Marcos Mezzottoni y al artista digital Eugin Cöre, y presentaron no solo el concepto sino el vestuario y la participación confirmada del actor Alfonso Tort –el mismo que interpretó a Eleuterio Fernández Huidobro en La noche de 12 años-, para representar al protagonista.
“Mi rol en esta misión fue hacer las fotos necesarias para que Eugin pueda encarar la postproducción”, cuenta Marcos. “Lógicamente no prendimos fuego un murguista, así que había que ingeniárselas para generar el material necesario. Le saqué fotos al murguista y después prendimos fuego unos pedazos del vestuario tirado en el piso para tener imágenes de fuego fieles al material del traje de murga”.
Después de resolver la iluminación, encontrar el plano y dar con la fotografía ideal, Marcos tuvo que dirigir al actor para encontrar la interpretación perfecta. “Por más que él es un actor, no estaba teniendo poses muy murgueras. Por suerte, cuando era chico mi hermano me llevaba a los tablados y desde ahí me gusta la murga. Así que le pedí al murguista no murguista que abra las manos, que exagere los gestos y que levante su rodilla para poder ver mejor el vestuario. Pusimos un celular con una murga de fondo para hacerse la bocha. Y funcionó”, cuenta.
El desafío siguiente -y el más difícil- fue el encarado por Eugin: fusionar todas las imágenes en un resultado realista. En Lightroom fue sumando capas y capas de fuego, con el material creado por Marcos y otro de chispas, texturas chamuscadas y fuegos encontrados en Internet. “Fue muy divertido la verdad”, cuenta. “Les mandé creo que tres pruebas diferentes con tres ‘cantidades’ de fuego, eligieron una y me metí a trabajar a fondo en esa, refinando detalles, dando luces y sombras con respecto a las zonas donde ahora había luz (por el fuego) que antes no había, etc. Eso me llevó un rato, sobre todo ambientar de nuevo con todo el fuego agregado, para que realmente pareciera que los tonos cálidos y el resplandor de luces fuera coherente con lo ‘encendido’ del murguista. Siempre esa es la parte más difícil y la que le da realismo, moldear las luces y las sombras”.
Para Eugin este fue un trabajo más que gratificante. “El proyecto me encantó desde que me lo plantearon, y poder sumar al proyecto para que sea más grande, para que crezca más, tenga más impacto, y ayudar a que la música no sea solo lo que te estás llevando con el disco y que sea un todo, eso como músico y fotógrafo, me reconforta tremendamente”.
2) Aguafiestas – Arquero
Diseño: Bruster
Para plasmar el mundo del Aguafiestas, Arquero trabajó junto a Bruster y Santiago de Souza aka Pan, DJ y productor de Los Buenos Modales. “Enseguida nos encantó el estilo que tiene, lo que representa”, cuenta el diseñador con respecto al nombre del álbum. “A nivel gráfico, sabíamos que queríamos hacer una tapa fotográfica, principalmente para escaparle un poco a la ilustración, a la que veníamos recurriendo en los últimos discos en los que habíamos trabajado”.
Guiados por el concepto, sabían que el arte tenía que estar ambientado en una fiesta. “Al principio la idea era un sorete flotando en una ponchera, pero cuando nos encontramos con la idea de las copas nos dimos cuenta que era todo por ahí”, cuenta. “Aguafiestas no es el tipo aburrido, es el que te viene a romper la fiesta, es el que se vuelve también en el centro de atención. La torre de copas sirve a nivel gráfico porque nos encanta las simetrías que genera, pero conceptualmente también significa mearse en todo desde arriba, en los podios, en la escena. Llegar y arruinar la fiesta, caminando por ese borde que separa lo estético de lo grotesco, lo fino de lo asqueroso, lo brillante de lo estúpido, que muchas veces es un tanto difusa pero siempre es un lindo lugar para jugar y experimentar”.
Arquero contactó al fotógrafo Álvaro Gargiulo y creó el look con prendas de Gau y Arenas. “En realidad podríamos decir que la producción la hizo el mismo Diego porque estuvo muy involucrado en el proceso”, afirma Santiago. “Nos quedamos muy contentos con el resultado y sin dudas creemos que la tapa y el disco tienen bastante que ver. Es un disco que se esperaba mucho y que venía a decir un montón de cosas y nos parece que el arte al que llegamos le calza bien”.
A pesar de dar con esa imagen icónica y perfecta para este gran disco, aquella idea inicial no fue descartada del todo, sino que fue reutilizada para las animaciones realizadas por Sebastián Lambert que aparecen en los tracks subidos al canal de YouTube de Underclan.
1) El problema de la forma – Hermanos Láser
Diseño: Fotografía familiar y Fran Cunha
El arte de El problema de la forma, el segundo disco de Hermanos Láser tiene un significado especial. Es una fotografía de la abuela de los Cáceres, Nelly Teresita García Sánchez, disfrazada de rana. Ella falleció un año después de que naciera Sebastián, y Martín no la llegó a conocer, pero una de las cosas que mantuvieron de ella es esta imagen, simpática y misteriosa, que alimentó su imaginación infantil y la volvieron a encontrar hace un tiempo. Ahora está colgada en una de las paredes de su “Búnker”.
“Volver a verla nos trajo de vuelta aquellas historias que imaginábamos de niños, y a la vez, nuevas preguntas y teorías. Todo en la foto es un gran misterio: la pose, el disfraz, la mirada, la luz”, cuenta Sebastián. “Desde que empezamos a componer este nuevo disco, la ‘abuela rana’ ha estado cerca, supervisando todo con su mirada enigmática desde una de las paredes del Búnker. Al decidir el nombre del álbum, entendimos que esa debía ser la portada”.
Fran Cunha es el creador de la iconografía de la banda desde tiempos de Vieja Historia, y tuvo nuevamente el rol de hacer el arte del nuevo disco, esta vez partiendo de un material preexistente. “Luego de muchas reuniones sobre el arte entendimos que el desafío principal era cuidar su misterio. Por eso terminamos agregando el nombre de manera sutil, intentando no quitarle el contexto”, cuenta el diseñador. “Eso era lo más importante de cuidar, por que la mayoría de las personas que la ven no entienden qué están viendo. En el bombardeo y la cultura visual donde decodificamos cientos de imágenes por minuto, eso para mí lo convierte en algo único. No saber bien si es moderno pero avejentado; si realmente está dentro del traje o si es un collage; si es una foto o una pintura -como varios nos preguntaron-; es algo que pasa pocas veces. Nosotros mismos tenemos muchas incertidumbres con esa foto, y eso es lo que siento más unido en el concepto del disco: compartir incertidumbres. Yo siento así el titulo, la dificultad de querer expresar algo y perderte por no saber qué forma darle”.
A medida que fue avanzando la composición del arte, las ilustraciones para las remeras y la elección de Tormentas como corte, este particular personaje terminó de adquirir significado y capturar las dualidades e incertidumbres que carga el disco. “Tiene varias expresiones al mismo tiempo, lo que te permiten acercarte de muchas maneras”, afirma Fran. “Es estático, pero a la vez está en plena metamorfosis. Por eso optamos por ir revelando de a poco el personaje y no mostrar la tapa hasta el día del lanzamiento”.